论文面向拉丁爵士的新姿态观古巴自由节奏爵士乐队音乐会，本文是爵士乐方面论文范文文献和爵士乐队和拉丁爵士和新姿相关论文范文.
4月14日晚,2018深圳“一带一路国际音乐季”当中的“摇摆——古巴自由节奏爵士乐队”音乐会将深圳音乐厅的剧场打造成了一片派对舞池.自由爵士乐队（TiempoLibre）的表演风格一如拉丁音乐的四射,他们在渲染带动听众方面也颇为经验老到,用热烈响亮的音乐将台上台下“猝不及防”地连成了一片沸腾的海洋.
古巴自由节奏爵士乐队曾三次荣获格莱美最佳热带拉丁专辑（Best Tropical Latin Album）类提名,是一支长期以来颇为活跃的拉丁爵士乐队.他们在坦格尔伍德（Tanglewood）、新奥尔良爵士音乐与传统文化等重要艺术节上都有亮相,也大力拓展与古典乐坛知名艺术家（如小提琴家约书亚·贝尔）和乐团（如克利夫兰、旧金山交响乐团等）的合作,经常在纽约林肯中心等知名剧院演出,可以说是一支难得的跨越古巴传统音乐与西方古典音乐的拉丁爵士乐队.
乐队成员们曾经共同求学于古巴的一所苏联式音乐学院（La ENA）,他们在音乐学院就读古典音乐专业期间,学校禁止演奏其他音乐类型,而这些音乐却是他们生活中所热爱的各种音乐.于是,在20世纪90年代初古巴“和平时期的特殊阶段”,自由节奏爵士乐队的成员们离开了祖国.2001年他们在美国迈阿密创立了乐队,一起追求多元而不受约束的音乐,这也是“自由节奏”的命名由来.乐队的编制为七位成员,分别担当键盘、演唱、贝斯、萨克斯兼长笛、康加鼓、小号以及爵士鼓,歌手有时会兼任刮器和摇响器的声部,而乐器演奏者们也会与主唱形成一领众和的伴唱关系（非洲音乐元素）.乐队音乐总监乔治·戈麦斯（JorgeGomez）在抒情作品部分的键盘独奏段落也彰显出其多元的创作能力,旋律深邃动人,可以从中感受到浓郁的冷爵士即兴风格影响.从整体上来说,乐队的表演形式一如拉丁风格,自由奔放,极富煽动力.
整场音乐会节目单曲目的设计兼顾到了自由节奏爵士乐队涉足的各种风格,既有传统的拉丁热门金曲,它们通常有数以百计的各式演绎版本,而乐队的改编也毫不逊色,如《关塔那摩的女孩》（Guantanamera ）、《麦色肌肤》（Piel Canela ）、《黑色的眼泪》（Lagrimas Negra ）等；也有选自《巴赫在哈瓦那》（B a c hin Hana ）专辑的古典－拉丁跨界作品,展示了他们深厚而灵活的古典音乐功底,如《垂怜经》《g小调小步舞曲》《G弦上的咏叹调》《赋格》；当然也不乏一些乐队的原创作品,偶尔在爵士鼓部分插入一些放克风格.自由节奏爵士乐队曾经来中国演出数次,与两年前在上海的表演曲目相比,本场曲目风格更加多元,意在让听众接触到多种样貌的拉丁音乐.当然,笔者发现本次演出只选择了新专辑《触动你心弦》（Lo QueteToca ,2018）中的一首作品,而在新专辑中,他们的创作其实有了一种新的动态：音乐的拉丁元素有所淡化,而呈现出一种更为欧美流行音乐化的趋势——抒情的旋律,说唱的节奏,还有放克、雷鬼元素的渗透.这让我想起了高宣扬在《流行文化社会学》中所言,“流行音乐和后现代主义艺术,包括当代各种音乐的创作,其真正宗旨正是为了追求无限制的自由本身.”① 所以,即使其属性为拉丁爵士乐队也依然阻挡不了音乐家们接受其他任何一种音乐风格的影响,敞开其创作的大门,借助各种音乐类型成为了一种表达个性的手段.
笔者个人偏爱的还是乐队对J . S.巴赫经典作品拉丁式的重新演绎,做到了两种音乐类型之间的自然融合.之所以选择J.S.巴赫,音乐总监戈麦斯认为是从巴赫的身上找到了一种同源精神：巴赫既创作宗教音乐又创作世俗音乐,这恰恰像是他们将古典音乐传统注入一种新音乐风格的尝试.其实,古典音乐作品与拉丁音乐的合作在跨界潮流中已有不短的历史,属于比较成熟的融合类型,两种音乐类型的转换已比较娴熟.通常来说,这两者之间的跨界一般借用古典作品的旋律主题来进行创新,这是因为旋律往往是听众识别作品的最明显标志,而拉丁元素则尤为突出地体现在丰富的拉丁节奏上.基本贯穿全曲的各类节奏型塑造出不同的音乐气质,或热烈（如萨尔萨）,或抒情（如波莱罗）,或摇曳（如恰恰恰）等等.同时,乐队还可以在惯例的和弦进行中丰富变换,旋律多种变奏,单件乐器如在爵士乐中那样自由演绎等多种手段并行.
在自由节奏爵士乐队的融合作品中,有的是从原作的原形态切入.例如,开场曲《垂怜经》（Batá,巴塔,一种舞曲体裁）在作品开端引入了《b小调弥撒》的“垂怜经”段落,之后随着音乐进入主体部分时,键盘声部作为旋律陈述主体,保持相对原貌和风格的旋律；同时,小号和萨克斯在乐末齐奏出简洁有力的短句伴奏或句中点缀,旋律稍有变化.有的作品是以乐队中的多种乐器演绎旋律主题,如《G弦上的咏叹调》（波莱罗,一种舞曲体裁）是在两件主要乐器上的编创版本,钢琴的爵士自由风格与承担主题表现的萨克斯之间构成对话,钢琴的角色犹如缠绕着树干的藤蔓,轻柔灵活常在原主题左右；《g小调小步舞曲》的主题旋律同样在各件乐器之间承接,从键盘到小号再到萨克斯,随后由歌手唱出音高、节奏都稍有改动的填词主题乐段,最后旋律由贝斯以爵士即兴手法将全曲带入华彩即兴部分,随即各件乐器轮番进行独奏展示.令笔者好奇的是,在诸多古典与拉丁爵士相融合的普遍模式为拉丁节奏加古典旋律,然而从创新的角度来说,这已成为过往的传统,那么未来两者的跨界如何在创作思维突破？无疑是一件值得令人翘首以待的事情.
古巴音乐的影响来源于非洲黑人（主要为西非）、欧洲殖民者（主要为西班牙）音乐以及本土音乐传统的混合产物.古巴音乐的节奏是拉丁音乐的源泉所在,恰恰恰、松、曼波、伦巴、瓜关科（Guaguanco）等等丰富多变的节奏型,影响了南美大陆令人眼花缭乱的歌舞音乐形态.这些音乐的歌词也通常是五花八门,涉及到生活的方方面面,有关社会生活、工作、爱情及娱乐.但即使是表达观点的歌曲也依然听来轻松诙谐,这也恰恰反映了古巴人民天性乐观自由的特点.说到这些,我们似乎从文字上很熟悉这片淳朴自然的音乐景观,恰如曾经风靡全球的好景俱乐部（Buena Vista Social Club）于上世纪90年代带来了古巴“黄金时期”（20世纪30－50年代）的流行风格.而几十年过去以后,我们对于古巴音乐的认识也不能陷于停滞不前的状态,而自由节奏爵士乐队的音乐作品便给我们带来了未曾熟悉的廷巴（Timba）风格——一种当下的古巴音乐流行风格模式.
廷巴是古巴从20世纪90年始流行的一种新风格,混合了萨尔萨、美国爵士、放克和R&B以及一些非洲－古巴民间音乐的多元影响而成的古巴流行音乐.此种歌舞音乐形式在乐器选择、音响织体、编曲风格上都可以看出其更为热烈,更富攻势,且有金属感增多的特征.当然,这样的革新往往是伴随着社会、政治、文化的巨大变迁而带来音乐表达上的突破（更富活力、更具有实验性）.从音乐编制上说,例如通常会在康加鼓基础上加上一套爵士鼓；以钢琴和电子合成器替代了仅用一台钢琴的编配,形成多种和声音色的混杂；以贝斯代替原声弦乐器（如吉他、低音提琴）.除此之外,和弦应用也更为复杂,能够实现更多变而深沉的音响.从乐器种类上来说,古巴传统乐器比例减少,只剩下打击性乐器,这也符合前文提及的逐渐欧美流行音乐化的过程.但更深层面来说,它似乎反映了人们听觉上喜好的变迁——弱化了弦乐声部之后,音响变得更加浓烈厚重,而且金属感（爵士鼓、铜管乐器）的加重也让音乐风格更为有力和激烈.
这是一种随着年代更迭在音色审美上的变迁.当时,这种在古巴本国极为流行的风格,却被人预言此风格不符合世界听众对古巴音乐的期待（非“好景俱乐部”风格）而不会得到流行,但是如今却广受世人喜爱,古巴也通过旅游业重振了廷巴音乐的魅力.廷巴音乐风格是一种对创新的共识,音乐风格变得更为激烈有力实则符合当下的审美趣味,而歌词使用很多模糊而机智的俚语来阐述大众所关心的社会话题,也系大众对真实生活进行谈论的心理需求.另外,廷巴音乐风格对音乐家深厚功底的要求也使得音乐具有很多可供琢磨的复杂性.所以,风格的流行正是一种水到渠成的结果,而这些廷巴音乐风格也正是自由节奏爵士乐队所希望带给世界听众的现今古巴音乐风格.
当晚乐队的出演一定俘获了不少乐迷,听众也必定感受到合作了17年的乐手之间的默契.然而笔者认为,尽管作品的演绎十分流畅,但单从乐队当晚音响效果来说仍有不少改善的空间,部分原因应该出于音响调控的具体问题：乐器声部音量过大,盖过势单力薄的人声,导致两者间的不平衡；爵士鼓部分在听觉上相当“抢镜”,而导致键盘部分在抒情作品时才较为清晰明显；小号和萨克斯的乐手在声部创作和发挥上可以更为灵活和出彩.
除此之外,令笔者感触较多的是整场音乐会亲密而频繁的互动性,正如乐队所言这并非一场“正经”的音乐会,而是一场古巴式派对.互动几乎贯穿全场,无论是跟唱、参与构成歌曲声部,还是鼓励听众起身跟着音乐一起摇摆、挥舞双手,这恰恰反映了拉丁音乐的大众性本质,而让听众参与其中正是此类音乐强调的文化元素.尽管如此,有一些非音乐元素的配套设施使之难以实现.首先,音乐厅的设计实际主要针对西方古典音乐,却并不符合此类型音乐的呈现——有限的距离和空间位置,舞台上下的明显区隔,即使在如此热烈的音乐之下也很难让天性含蓄的中国人放开自我,率真地随之起舞.其次,舞台电脑灯光的配合也呆板单一,不仅作品之间未见差别,也没有随音乐律动变化,甚至歌手追光也一直固定,不跟随运动,完全未能强化甚至提升音乐表演的感官冲击和魅力.如果作为普通观众,我们可能并不会去思考问题出在何处,而只会感觉到没有达到巅峰的体验；但是作为有经验的听众,我们会明白辅助手段有不可替代的重要作用,只有综合各种助力才能让听众获得一个最佳的视听享受.很多时候,我们在音乐传播之中对这些专业手段忽略太多.
这也引发了笔者的一些针对演出行业的思考.音乐有了,那么音乐之外呢？我们在构建场所时是否仅仅考虑用于西方古典艺术形式,是否应该考虑能够容纳更多日益复杂、多元而新锐的舞台表演艺术？我们在制作一场来自世界其他国家地区文化的艺术表演时,是否仅仅只限于把表演团体搬到舞台上,就完成了对某种音乐表演的传播？我们是否从更为深度的层面向民众介绍说明了富有含义和价值的其他音乐文化？即使音乐本身已经很好了,但我们是否可以不止步于此？在如今科技手段日益发达,人们感官冲击日益增高的今天,如何能将演出效果做到最佳,并在观者心中留下一丝印象与记忆？
回到这场音乐会的观感,有一个念头始终在心中.在众多的音乐类型之中,拉丁音乐介入流行音乐市场很早,相对容易理解,也容易被接受.但是所谓“通俗”音乐的可接近性不应当成为将其肤浅化解读和简单化传播的理由.如今,音乐变得无处不在,而流行音乐尤甚,但我们对它的认识却并没有增加更多的深入了解.在工业化世界消费了如此多的音乐之后,我们不应反而对之日渐麻木.因为,无论怎样,它都不应该只是一场快餐式的热闹.
①高宣扬《流行文化社会学》,北京：中国人民大学出版社2006年版,第197页.
张玉雯 音乐学院音乐学系世界民族音乐博士
（责任编辑 荣英涛）
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参考文献：
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