论文论绘画中线条的音乐性，本文是关于绘画毕业论文的格式范文与论绘画和线条和音乐性方面毕业论文的格式范文.
摘 要：线条在中西方绘画中都有着悠久的历史,在西方,线条的功能主要是描绘事物的外形,而在中国画家的笔下,线条不仅能“状物”,而且最重要的是用线条的节奏表达情感.绘画中的线条变化无穷而又具有独立的审美价值,线条的音乐性对于绘画的形式美也有着重要的意义.
关键词：线条；音乐；绘画；节奏
绘画的形式美很大程度上表现于种种视觉元素的多样与统一,作为画面重要的视觉元素之一——线条,遵循对比与调和的规律,体现着节奏与韵律,线条的音乐性对于画面的视觉美具有不可或缺的重要性.
在中国画论中,“画”与“绘”是有一定区别的.《周礼·考工记》日：“画绘之事杂五色.”孔子日：“绘事后素.”（《论语·八佾》）“绘”指着色,“画”指勾线.线是人对物体在背景中呈现的轮廓或物体不同的面相交的边棱加以概括和提炼的结果,它在绘画中有两种不同的表现：一是以线造型,以线定形；二是以线作为绘画表现的主要手段,以线表情,以线达意.东方和西方的原始绘画的遗迹表明,古人最初都是用线条作画的.H．里德认为：“人们大都认为原始人和儿童最初企图表现事物形象时,要求符合他们目所能见的、最为接近对象的真实形态.因为人们平时所见的物象,是由颜色、色调,明面、暗面组成的,…….儿童和原始人在这方面的初步方法,却是对实物进行抽象和概括,从而产生一张实物的轮廓画,这未免有点奇怪了.他们所完成的,是一种表象而非复制.”[1141由此可见绘画最初使用的媒介是线条.
一、“状物”的线条
在西方,重线条的倾向有着悠久的历史传统.从西班牙阿尔塔米拉洞窟壁画中的野牛到野兽派绘画中的轮廓,线条一直处于十分重要的地位；古希腊时代,勾线被视为绘画的重要技法,不用直尺画出一条直线是必不可少的基本功.达·芬奇之前,线条一直是绘画的主要表现手段.威尼斯画派在色彩方面做出了重大的贡献之后,线条仍未降低其应有的表现力.安格尔认为“线条——这是素描,这就是一切.”就连重色彩的德拉克洛瓦也说：“在一切事物中,应该首先在素描中抓住和表达的,是主要线条的对比.”英国著名画家兼美学家威廉·荷加斯对线条有较深的研究,他认为：“波状线比任何线条都能够创造美.”并把它称为“美的线条”[2144.他又认为蛇形线是最美的,它“使想象得以自由,从而使眼睛看得舒服,而且说明其中所包括的空间的容量和多样.”[2J56但是,线条在西画中,仅止于描写事物外形的手段,起着“状物”的作用,因为西方人重耐自然事物的视觉现象而轻视觉感受,认为大千世界的现象中并无线,把线作为一种形的从属而利用.从古希腊时就有画家阿坡罗多开始了明暗画法,到了13世纪又有乔托、马萨乔等画家奠定了西方绘画的基础,在西方画家追求真实感的过程中,线条沦为绘画的随从.即使是标榜“线是绘画的主角”的用线大师安格尔,也认为对用线的发展在于使之具有表达立体感的能力,用线来加强物体的圆味以造成凸感.提香、伦勃朗、鲁本斯用线则是为了造成素描的效果.意大利文艺复兴时期,佛罗伦萨画派重“线”,威尼斯画派重“色”.美学家沃尔夫林在《艺术风格史》中把视觉方式分为“线型的”和“图绘的”.在古代西方不用线或反对用线的画家占多数,即便某些画家用线（如莫蒂里阿尼）也产生某种韵味,但完全不能与中国画线条的趣味相提并论.法国印象派画家西涅克说：“表现宁静感一般使用平卧线,表现欢乐易用上升线,表现抑郁易用下降线,介于三者之间的线,将产生无限变化的感觉.”[1J49
尽管线条在西方绘画中没有东方绘画那么普遍,但线条却一直没有从西方绘画中完全消失,例如素描、版画就是用线条来描绘的.经过各个历史时期的变化,艺术家们发现了线条这一简洁而又概括的抒情手法,如楚·高、毕加素、马蒂斯的艺术作品.康定斯基,现代抽象绘画的奠基人,一直致力于将色彩、线条与音乐相交融,传达出画家的精神世界.他重视线的音乐性,在论文《点线面》中,他举例将不同形状的线条重复变化,分三类进行阐述,并用音乐进行类比,如“第一种重复的目的在于量的增加,如,在音乐中靠多把小提琴的演奏来加强一把小提琴的声音.第二类重复中,除了量的强调外,还有质的意义,这在音乐上大体类似于长时休止符之后相同乐段的重复,或‘钢琴’标记的重复,是一种乐句的质的改变”[3173.同时他还认为大多数乐器都有线的特点“不同乐器的音高相当与线的粗细：小提琴、长笛和短笛产生一种非常细的线,大提琴和单簧管是一种略粗的线；由低音乐器演奏产生的线则越来越粗,一直到双低音乐器或大号的最低音调……线就象在绘画中所看到的那样确实以同样短暂和独特的方式发挥着作用.”[3J76
二、“表情”的线条
中国画家是把线作为一种情的表述而运用的,在中国画里,线条的作用既要做到“状物”,又要“表情…‘达意”,它的情趣早被中国画家所发现,受到重视,观者在线的节奏中体悟到画家的情绪、思想、功力和修养.在中国画里线条备受青睐,它是中国画的灵魂,在强调用线造型方面,传统人物画衣纹线描有十八描之分,如高古游丝描、行云流水描、铁线描、橄榄描、柳叶描,等等.在表情达意方面,早在5世纪,谢赫就提出“纵横逸笔,力道韵雅…‘一点一拂,动笔皆奇”H】,这种独特的审美趣味又与书法用笔和韵味具有内在联系.赵子昂在《秀石疏竹图卷》中题诗“石如飞白木如籀,写竹还须八法通.若也有人能会此,须知书画本来同”.中国汉字具有独特的形式美,它不同于西方的拉丁文字,汉字与绘画在历史上都曾经是再现客体（即外界事物）也表现主体（即作者自身感情）,后来汉字发展了,象形字所占的比率越来越少了,而书法作为一门艺术,逐渐减少了再现的功能,而成为以表现为主的艺术.汉字能从书写符号上升为书写艺术,主要源于其线条的魅力,书法通过线条运动的轻重徐疾、粗细疏密和墨的干湿浓淡的变化体现出节奏感.
纵观中国绘画艺术的历史发展,从原始彩陶的囹纹到敦煌壁画中的飞天,从工笔白描中的勾勒到文人画中的写意,中国绘画在相当程度上是以富有骨气韵味的线条来取胜,线条可以说是中国画的灵魂.在中国远古时期,龙山、大汉口、马家窑、半山、马厂等陶器以平行的、起伏的、往复的、流动的线条组成纹饰,确实给人一种音乐感.“半山类型瓮图案装饰是由各种不同的线条组成,…….这许多不同的线,巧妙地组织在一起,运用重复、交错的方法,既显得丰富多样又不杂乱无章.…….一切变化都是那么自然,那么协调,下半部留出空白,显得有虚有实,更增加一种变化.这样美妙的图案仿佛是用线条奏出的交响乐”[5】.从古代遗留下来的画迹来看,长沙南朝出土的晚周帛画就已树立了中国画以线条为主的基础.南北朝时代,因受外来文化及少数民族文化的影响,中国绘画曾一度出现浓艳的色彩,但是即便如此也没忘对线条的表现.南朝时谢赫在“六法”中提出“骨法用笔”,唐代大画家吴道子创造兰叶描,重视用笔的节奏起伏,张萱、周唠等用淡墨细线,通过简劲有力的线条产生生命的律动感,而李公麟的白描法仅仅依靠线条的粗细、刚柔、曲直、轻重来对物体形状进行描绘,黄荃、崔白、吴元瑜、宋徽宗、陈老莲的线条,哪一根不是富有节奏感,达列音乐的意境.中国的艺术是线的艺术,线实际上是对音乐的一种造型,使它表现为一种可视的东西.从这个意义上讲,线就是音乐.
中国艺术很早就注意到把自然界中的节奏、韵律、对称、平衡等形式上的东西表现到艺术作品中,线条的节奏感、韵律感既表现出了自然界的规律,也表现出了人的情感规律.伍蠡甫在讲中国画的线条时也讲到了线条与生命、情感节奏的对应关系：“披麻皴由若干相当平行的线条所组成,它们运动舒缓、延绵层叠、疏密相间,于人以宁静、谐和、淡远之感.劈斧皴由粗壮的短线或短线所组成,它们运动迅疾,其砍、削、刮,往往锋利逼人,唤起激越、兴奋、不息之感.”[61线条在长短、粗细、曲直、刚柔、干湿、轻重、缓急、显隐等千变万化中既形成了线条运动的节奏感而且还引起了欣赏者的心理变化,造成一种有紧有松、有缓有急的内心节奏感受.对于中国画家来说,笔下的线条有韵律的曲折波动、盘绕往复,有节奏的跳跃交错、疏密聚散,与画家霎那间的心态意趣默契相通.而观者凭借着移情或想象,便可从富有弹性的线条中领略到一种美的韵味和节奏.唐代吴道子的<送子天王图》,运笔的力度有重有轻,笔触有粗有细,速度有快有慢,回旋转折,奔放,富有运动感和节责感,而观者不禁觉得“天衣飞扬,满壁飞动”.当英国画家康斯太勃嘲笑“画了2000年但不知明暗对比法为何物”的中国画家时,里德挺身而出,指出这种观念的局限性：“中国艺术没有明暗对比并非因为中国艺术家无能或落后,而是因为他们在认识自然的过程中没有发现这种特殊的空间特征,没有觉察到光影效果,但却发现了线条节奏.在他们看来,线条节奏与变幻无常的阳光投射在外物上时所产生的偶然效果相比,更具有本质意义.中国艺术家偏爱线条的真正目的是为了取得某种自然而稳定的艺术效果.”[a1对于中国画家来说,偏爱线条的真正目的不仅是因为线条的节奏变化更能表现对象的本质,而且这种节奏与画家的思想感情契合相通,从而凝成了画家（特别是文人画）的艺术风格.
从本质上来说,绘画中线条变化无穷而又具有独立的审美价值,不仅可以用来塑造形体,同时因其节奏与韵律,还表达出了画家内心的感情、体验与思考,线条的魅力不仅在于它的具象性,还在于它的抽象性、音乐性.在当代,东西方各自从对方的艺术中看到了充满智慧与的线条,在追求人类共同的情感与审美理想中,线条艺术的音乐性得到越来越多的热情关注.
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参考文献：
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