论文小剧场话剧的突破和回归以实景体验话剧《雷雨》《昆明老宅》为例，该文是雷雨相关硕士论文范文跟雷雨和《昆明老宅》和小剧场话剧类毕业论文范文.
小剧场的新探索
庭院内鸦雀无声,观众坐在转椅上,四处没有传统意义的舞台.一声锣响,老宅子二楼探出一个头来,台词顺溜地滑过.观众这才仰头,恍然大悟：“演出开始了.”这是实景体验话剧《昆明老宅》的演出现场,该剧是国家一级编剧杨耀红创作、并导演的第二部实景体验话剧.
2017年,适逢中国话剧诞生110周年,云南导演杨耀红向经典致敬,排演《雷雨》,将其定位为云南首部实景体验话剧,在昆明掀起一阵观剧热潮,半年多的时间内,连演35场,场场爆满.剧中演员由艺术院校的师生和播音主持构成,这一带有“玩票”性质的演出,却取得不俗业绩,成为戏剧界的“昆明现象”.
两部作品上演之际,正是小剧场话剧在全国市场方兴未艾之时,杨耀红的创作念头就产生于这时.
那是2016年6月,北京人艺的《丁西林民国喜剧三则》在昆明马家大院演出.马家大院是昆明一座拥有百年历史的老宅子,杨耀红坐在大院的阁楼上,看着四处充满雕梁画栋,古色古香——负责舞美设计的廖宇耕,只用4盏灯就把整个院子照亮,没有炫彩的灯光和豪华的布景,百年光阴的大院本身成了一个精彩的舞台.
看完演出的杨耀红说,她找回了戏剧人的一种久违了的感觉,马家大院太独特了.几经思考,《雷雨》诞生.
2014年至2016年,在全国很火的小剧场话剧蔓延到昆明,孟京辉《恋爱的犀牛》《两只狗的生活意见》,赖声川《暗恋桃花源》等作品,频繁进入昆明市场.在昆明本地,民间剧社创作的小剧场话剧也频繁上演,由老房子改造的小剧场在主城区以及各个文创院区内兴起,上演剧目达数十场之多.
上海戏剧学院教授吴保和在论文《中国当代小剧场戏剧的发展过程》中分析道：“中国当代小剧场戏剧发展的两条脉络,一条是从高行健、林兆华开始,经过熊源伟、张献、牟森、孟京辉等,直到沈林、黄纪苏、张广天等人的实验戏剧,这部分具有探索精神的实验戏剧,是中国当代小剧场戏剧的‘先锋’和‘前卫’,它始终站在整个中国戏剧的前列,牵引着中国当代的戏剧思潮……另一条是非实验性的小剧场戏剧,秉承了中国话剧的现实主义传统,以反映当代中国人生活与情感为己任,以在新的时代与环境中保存并发展话剧艺术为目的.”
更重要的是,吴保和教授还提出：“这两部分小剧场戏剧在90年代都不同程度地受到商业化的影响,因而出现了部分的融合,如《情人》《楼上的玛金》《美国来的妻子》《恋爱的犀牛》《白领三部曲》等.这部分小剧场戏剧既保留了实验戏剧的某些锐气,又充分考虑到观众的接受程度和欣赏水平,是在了解演出市场的前提下进行的艺术创作,在当前话剧前景仍不乐观的时候,为中国话剧开拓出了一条新路.”
吴保和教授的总结一语中的.
小剧场话剧的先锋性、前卫性,以及接受市场考验时,与传统观剧习惯的融合等变化,都是今天小剧场话剧所应该吸收的“财富”.
上海戏剧学院教授丁罗男认为,改革开放以来的中国当代戏剧之路,总体上经历了两大转向,即政治文化向精英文化转向和精英文化向大众文化转向.
目前小剧场的演出正呈现精英文化向大众文化转向的态势.
在一篇回望十五年的上海民间剧场之路的文章中,作者丁盛也谈到：“一条变化轨迹渐渐清晰起来：从戏剧从业者的理想主义回归到符合市场规律的商业逻辑上来,从艺术理想的追寻走向了大众的生活日用.”
创新融合的样本
小剧场话剧自1982年在中国流行开始,以林兆华、赵屹鸥、孟京辉等为代表的话剧人,基本上是北京、上海等地活跃,当他们的“星星之火”遍布大江南北的时候,小剧场话剧已不再是新鲜事物,各地的创作者们,已经开始针对其进行了另辟蹊径的思考和探索,“实景体验话剧”正是其中的一个代表性探索案例.
杨耀红也是实景体验话剧的践行者.
彼时,大型实景演出已经在全国大行其道,形成了文化产业的一道“风景线”,其中最具代表性的当数“印象”系列——《印象丽江》《印象刘三姐》《印象平遥》《印象武隆》,以及后续衍生的《再见平遥》等作品.
实景体验话剧可以理解“实景演出+话剧”的创新融合,这个看似简单的概念却并非是简单的形式叠加,而是名副其实的创意,操作起来有非常大的难度.
排《雷雨》时,杨耀红根据百年老宅的布局,让剧情合理穿插其中,演员不是固定在舞台上,而是在楼上楼下、各个房间到处走动.观剧的时候,观众可能听到声音却看不到人,冷不丁一下子,演员可能就会从身边走过.
以往的话剧及小剧场话剧,演出形式还是镜框式舞台；以往的实景演出,艺术形式基本上还是歌舞剧,而实景体验话剧,则针对这两方面都进行了大胆的突破.在话剧领域工作了46年的杨耀红在说,这么多年排惯了镜框式舞台,变成全方位的立体实景剧之后,她还是会与自己斗争.
《昆明老宅》就是如此.杨耀红从剧本的创作开始,就让该剧直接围绕百年老宅展开.为了让观众在观剧时与剧情和演员有真切互动,《雷雨》的每场演出都让观众穿上雨衣,可以直接触摸“湿漉漉的雨”,雨也会真正滴到百年老宅的青石板上.
《昆明老宅》的每场演出,则让天空飘起了雪花,洋洋洒洒地落在老宅的青瓦上.剧场的前排座椅,则换上了转椅,当演员在全场活动的时候,观众可以灵活转动座椅,充分融入剧情当中.
话剧的这种实景体验演出形式,在全国来说,应算得上是一种创新融合的样本.杨耀红自己也说：“这个实景体验话剧,不是一个宣传、包装的概念,而是名副其实.”
那么是不是说,有了实景体验演出这样的形式,话剧的思想性、艺术性以及文化底蕴、演员表演就可以退而求其次？事实恰好相反,镜框式舞台的演出形式,观众与演员之间因为距离产生“隔阂”,大部分时候是靠肢体语言来传达剧情的变化和表演的美感.而实景体验对台词,甚至演员脸上的表情,都有了高度的要求.
打个比方,实景体验话剧的尝试,有点像李安4K电影《比利·林恩的中场战事》对电影艺术的探索和尝试一样,具备相似的样本价值.
回归也是一种创新
如上所说,新的表现形式,对戏剧作品的思想性、艺术性以及文化底蕴、演员表演等的要求,不仅没有退而求其次,相反更高.之所以要强调这一点,在于当下的小剧场话剧市场上,实际上充斥着大量形式主义的肤浅作品,忽略了戏剧作品的本身.
创新的最高层次其实是回归.讨论这个话题,依然以《昆明老宅》为例.这部剧旨在通过一座百年老宅的变迁,来反映一段国仇家恨的历史,并从变迁的历史中,洞见昆明的世道人情,以及昆明人的气度和风骨.
杨耀红在对演出形式进行大胆创新之外,在戏剧本身,其实是做了最为“传统”的回归,回到了戏剧艺术的本身.
《昆明老宅》总共设置了10个角色,每个角色都代表着一种品质,不可或缺.杨耀红对观众说：“我是地道的昆明人,这些故事,可能是我外公的,也可能是您外公的.可以肯定的是,每段故事都来自真实的生活.”
戏剧艺术家焦菊隐先生论导演艺术时说：“每一个演员只须活在一个人物（角色）里,而导演却须活在全剧的全部人物里边,整个那个生活里边.导演应该是这些人物中间的一个,过着和他们一样的日子,有和他们一样的思想,有和他们一样的情感,和他们一样地遭遇各种环境而起着同样内在与外在的反应,和他们一起受痛苦或者享幸福,一起哭或者一起笑.”
杨耀红的创作,似乎是对焦菊隐先生的一种呼应.《昆明老宅》中的大太太和管家,是两个非常重要的角色.二人的一言一行,以及发生在他们身上的故事,都彰显着云南人、昆明人的耿直、包容和厚道.
相较于当下小剧场话剧作品对社会的批判,《昆明老宅》更侧重于对传统文化的关照,剧中大太太的坚贞、坚韧、善良和包容,管家的见义勇为、一诺千金,都代表着一种珍贵的品质.
由此看,《昆明老宅》是对传统文化的一次回眸,对传统美德的一种礼赞,也是对民族精神的一种继承和发扬.相较于当下完全脱离传统文化土壤的话剧作品,或直接移植当下生活样本进行戏剧化改编的戏剧作品,杨耀红选择了回归本土题材和本土文化.
我曾在演出《昆明老宅》的同一个地方,看过一部年轻导演所做的实景体验话剧,很遗憾,作品通篇充斥着对“性”的的“妄想”,完全成为流于形式的“猎艳”之作,与中国文化的血脉毫无关联,这其实是对“实景体验话剧”的一种曲解,也是对话剧这种艺术本身的曲解.
细心的观众可能还会发现,杨耀红还将传统戏曲艺术移植进了剧中.
《昆明老宅》里,老陈嫂的扮演者是云南省花灯剧院国家一级演员高爱洁,她曾在大型花灯剧《梭罗寨》中担任女主角,获中国艺术节表演奖.在《昆明老宅》里,她的表演带有非常浓厚的“花灯”味.
花灯是云南非常普及的一种地方戏曲艺术,杨耀红将其大胆引入话剧舞台,无疑也是一种融合和创新,不仅如此,她甚至还将贯穿全剧的重要背景音乐《猜调》交给花灯演员来表现.其中,男声是云南省花灯剧院院长、国家一级演员黄绍成,他那种好像是直接从肺腔里炸出来的声音,听着颇具震撼,女声正是高爱洁.
焦菊隐先生在分享他导演话剧《虎符》的经验时,号召艺术家要大胆地向中国的传统戏曲艺术汲取养分,《昆明老宅》正响应了这一种经验.
由此种种我们不难看出,所谓“万变不离其宗”,真正有价值的艺术创作,走了多远的路,总是要回到艺术的根本上来,这可视为对当下小剧场话剧创作的一个提示.
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参考文献：
1、 谈实验话剧《生死场》的悲剧意识 马 琦（成都大学 文学与新闻传播学院,四川 成都 610106）【摘 要】田沁鑫导演的话剧生死场改编自萧红同名小说,该剧扎根于中华民族的传统文化,脱离传统话剧的“三一律”的.
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